En France, au milieu du XIXe siècle, l’opéra éclipse les autres genres musicaux : dans la société frivole du Second Empire tout particulièrement (1852-1870), c’est un lieu politique central qui domine aussi bien la vie musicale que la vie mondaine. Camille Saint-Saëns affirme : « En 1870, un compositeur qui avait l'audace de s'aventurer sur le terrain de la musique instrumentale, n'avait d'autre moyen de faire exécuter ses œuvres, que de donner lui-même un concert et d'y convier ses amis et les critiques. » Si, malgré les difficultés rencontrées, les compositeurs français continuent d’écrire de la musique de chambre, genre exigeant et stimulant, l’influence de l’opéra sur ce corpus est tout à fait palpable et l’on décèle des caractéristiques vocales dans ces pièces instrumentales : le violon délaisse ses élans virtuoses pour chanter à la manière d’un personnage d’opéra, les thèmes de la forme sonate sont composés dans un ambitus restreint et ménagent de nombreuses respirations, et les instruments qui ne portent pas la mélodie sont souvent réduits à une simple fonction accompagnatrice. Plus qu’un simple constat, qui s’expliquerait par une accoutumance stylistique des compositeurs, la mélodie et le lyrisme dans la musique instrumentale semblent constituer une condition nécessaire pour que la réception par la critique et le public soit favorable. Le jeune Camille Saint-Saëns, compositeur virtuose et prolifique bien plus centré sur le contrepoint et le motif que sur la mélodie, essuie de violents échecs lors de la création de ses premières œuvres : « Nous lui trouvons un peu trop de prédilection pour la science. […] Nous lui conseillons de rechercher davantage le charme de la simplicité mélodique2 . », lui a reproché Adrien Le Fage dans la Revue et Gazette musicale de Paris de 1860. Quels compromis les compositeurs romantiques français trouvent-ils entre leurs propres ambitions et la soif de mélodie de la société musicale française ? Le lyrisme instrumental peut-il côtoyer une recherche en matière de timbre, de pensée développante ? Comment s’intègre-t-il au sein des enjeux harmoniques et formels de la musique romantique ? Après avoir défini les paramètres musicaux caractéristiques du lyrisme – l’ambitus de la mélodie, les intervalles plus ou moins conjoints, les rythmes et respirations, cette communication entrera au cœur de plusieurs chefs-d’œuvre reconnus ou oubliés de la musique de chambre française (de Camille Saint-Saëns, Gabriel Fauré, Félicien David, Henri Reber et Georges Onslow) afin de comprendre en profondeur le souffle mélodique qui les anime.