Americanization through the Arts
Américanisation par les arts
Résumé
This collection takes a long view of an aspect of modern globalization: the circulation of artistic forms and practices between the United States and France. It approaches the idea of Americanization through an examination of individual pieces, bodies of work, and changes in the organization of artistic life. Particular attention will be paid to the creative appropriations of forms in music, the visual arts, and literature and to how these appropriations have affected language, the body, artistic genres, and more broadly, ways of life. The presumption of artistic exchanges and appropriations that underpins this approach opens the way to an anthropological understanding of the arts that extends Philippe Descola’s observation to the full range of artistic production: “Since the end of the twentieth century, a handful of historians and anthropologists have undertaken to interpret images…by treating them, not so much as self-enclosed assemblages of signs, but as agents in their own right, exercising an influence on social and affective life.”1
Over and above the obvious impacts of Americanization—the accelerating pace of exchanges, a social space ever more governed by legal norms, greater attention paid to minorities, the multiplication of cultural signs of American-ness—, the goal of this collection is to explore the ways in which American influence has reshaped sensibilities the world of the senses, starting in the mid 19th century, with the arts understood as the cutting edge of the process. Much has already been written on the diplomatic, military, economic, political, juridical, moral, intellectual, and cultural dimensions of Franco-American relations and on American soft power. There is much less literature focused on “practical adaptations and appropriations”2 by artists and their work.
What does it mean for writers, painters, filmmakers or musicians to adopt an “American style” (whatever that might signify in any particular case) in the way they write, compose, film, dance or act? In most cases, it involves an emphasis on speed, economy of expression, impact, energy, and/or the sharpening of contrasts. But which America are we talking about? That of the Surrealist Philippe Soupault who in the 1920s looked to American cinema to re-energize French poetry? That of a cultivated European fringe who in the 1930s celebrated “the American Negro” as part of a dominated group and as a creator of jazz, the “greatest Te Deum of the century”?3 That of Robert Capa and Robert Franck, pioneers of photo-journalism and of the “Americana” photo? That of Boris Vian who invented an imaginary American writer in order to “write American”? That of the cineaste Jean-Pierre Melville who recreated Manhattan in his studio? That of hip-hop artists and rappers? That of country line dancers? In many forms they perceived as American, French artists recognized and reworked elements of their own culture. In return, their production was appropriated and americanized by American artists. Criss-crossings made up of samplings, mixings, resurgences. The jazzy compositions of the thirties, those of Ray Ventura, Mireille, and Charles Trenet, import an American-ness, which has been reformulated through voice, rhythmic articulation, and phantasmagoria in ways that call to mind, for lack of a better word, French tradition.
The joining together of populations from several continents—from Europe and Africa, not to mention Asia —on the soil of yet another continent, America, provides the beginnings of an explanation for the capacity of the American model to “establish a paradigm.”4 Pertinent in this regard is Ludovic Tournès’s approach, which treats the United States as a laboratory of world culture, of a new kind of globalization.5 But Americanization does not just draw its strength from its unparalleled material investment in the means of production, or from its new organization of labor. It is powerful because of all the appropriations that it makes possible. This is where the history of creation enters in.
And so, it is deliberate that this project brings together historians, art historians, musicologists, and historians of photography and film scholars. We are aiming for a comparative understanding of the processes of Americanization, as they manifest themselves from one art form to the next, in terms of chronologies, intensities, usages. Take Jacques Tati’s treatment of the impact of American standards of industrial modernity as an example. In his Jour de fête, released in 1949 just as the Cold War was setting in, the postal service imposes a new organization of work in a French village and comes up against an older way of doing things. On the sound track, different styles of music succeed one another. A slow waltz to the accompaniment of an accordéon musette—the world as it existed before the coming of American methods—gives way to swing riffs, as the rhythm of the filmed images picks up speed and the body itself is caught up in the frenetic motion. It is as though the music itself is the cause of the body’s acceleration. Its otherness, and the otherness of the behavior it engenders, is emblematic of the village’s Americanization. Yet this jazz genre, supposed to represent the negative effects of modernity in 1949, was in reality a style already in vogue in the 1930s. Was Tati out of phase, not in the swing, so to speak? Or are there regimes of Americanization, packages of emblems and signs, that have a history of their own, unfolding at their own pace? And does it then make sense to speak of regimes of appropriation?
Americanization will thus be studied as an outside force which exerts influence on sensibilities, ways moving, speaking, producing, exchanging and behaving with others. For more than a century and a half, this multifaceted and ever changing phenomenon was observed upon, decried or celebrated. That said, does this configuration (i.e. this way of being with all its corporal, vocal, and auditory aspects that American power would impact), still have relevance in a contemporary world governed by globalized forces?
The essays in this collection are drawn from colloquium and seminar papers first presented under the research auspices of the Maison des Sciences de l’Homme of the Université Paris Saclay, Paris Saclay University (Université d’Évry and Université de Versailles Saint Quentin-en-Yvelines), Princeton University, and the Royal Northern College of Music in Manchester.
Cette collection aborde dans la longue durée un aspect de la mondialisation moderne : les circulations artistiques entre les États-Unis et la France. Elle entend saisir la notion d’américanisation au prisme d’une œuvre, d’un corpus d’œuvres, des changements intervenus dans l’organisation des métiers d’art. Les textes portent en priorité sur les glissements de création dans des œuvres musicales, dans les arts visuels, dans des écrits littéraires et s’attacheront à évaluer leurs effets sur la langue, le corps, la voix, les formes, les formes de la vie ordinaire. Ce pari d’une contagion par les arts – celui d’une voie d’accès à l’anthropologique par l’artistique – entend élargir à l’ensemble des productions artistiques le constat formulé par Philippe Descola. « Une poignée d’historiens et d’anthropologues a entrepris depuis la fin du xxe siècle, d’examiner les images […] en les traitant comme des agents de plein droit exerçant un effet sur la vie sociale et affective plutôt que comme des assemblages de signes1. » Par-delà les effets immédiatement repérables de l’américanisation – accélération des échanges, judiciarisation de l’espace social, attention portée aux minorités, multiplication des signes culturels d’américanité – cette collection vise à apporter des éclairages sur des modifications de l’univers sensible, auxquelles les États-Unis ont largement contribué depuis le milieu du xixe siècle et dont les arts représentent la pointe émergée. L’empilement de littérature diplomatique, militaire, économique, politique, juridique, morale, intellectuelle et culturelle sur les relations franco-américaines et le soft power américain, laisse ici la place à des micro-analyses dédiées aux « réactions d’adaptation et appropriations in situ2 » des artistes et de leur travail.
Que recherche l’écrivain, le peintre, le cinéaste ou le musicien qui fait sien un « style américain » (dont il s’agit à chaque fois de définir le statut et le contenu) dans sa manière d’écrire, de filmer, de danser ou de jouer ? Dans la grande majorité des cas, à produire une représentation du monde dans laquelle la vitesse, la concision, l’impact, l’énergie, l’exacerbation des conflits jouent un rôle de premier plan. Quelle Amérique d’ailleurs ? Celle du surréaliste Philippe Soupault dans les années 1920, qui attend du cinéma américain qu’il régénère la poésie française ? Celle d’une frange européenne cultivée des années 1930, qui célèbre les « Noirs américains », dominés de nos dominants et compositeurs du « plus grand Te Deum du siècle3 », le jazz ? Celle de Robert Capa et de Robert Franck, créateurs de la figure du « grand photographe américain » et du genre de l’« Americana » en photographie ? Celle de Boris Vian qui invente un auteur américain postiche pour « écrire américain » ? Celle du cinéaste Jean-Pierre Melville qui recrée Manhattan dans son studio. ? Celle du hip hop et des rappeurs. ? Celle qui s’affiche dans les danses en ligne des bals country ? En bien des aspects, les Européens peuvent y reconnaître des pans de leur culture, revenus métamorphosés à leur point de départ. Entrecroisements de captures, d’horizons d’attente, de surgissements, de déterritorialisations et de reterritorialisations. Les chansons jazzées des années 1930, celles de Ray Ventura, de Mireille ou de Charles Trenet, importent une américanité qu’elles reformulent à travers une élocution, une articulation rythmique et une fantasmagorie en lesquelles on reconnaît, faute de terme plus adéquat, une tradition française. Le rassemblement de populations issues de deux continents – sans compter l’Asie – sur le sol d’un troisième fournit un début d’explication à cette capacité du modèle américain à « faire paradigme4 » Pertinente est l’approche de Ludovic Tournès5 qui fait des États-Unis le laboratoire de la mondialité ou de la globalisation. Mais l'américanisation ne tire pas seulement son efficacité d’une capitalisation sans pareille des moyens de production, d’une organisation du travail incomparable. Elle est forte de toutes les appropriations qu’elle rend possibles. C’est là où tout commence. La réunion ici d’historiens, d’historiens d’art, de musicologues, d’historiens de la photographie et du cinéma, n’est donc pas fortuite. Une approche comparative des processus d’américanisation tels qu’ils se manifestent d’un art à l’autre, en termes de chronologies, d’intensités, d’usages, s’impose comme un marqueur important. Illustration de cette approche, le regard que pose le cinéaste Jacques Tati sur les standards américains de la modernité industrielle. Dans Jours de fête, film sorti en 1949, en pleine guerre froide, une organisation nouvelle du travail tente de s’imposer dans un village français à l’encontre de modes de vie à l’ancienne. Dans la bande-son, les musiques font se succéder des valses lentes avec accordéon musette – l’existant avant l’irruption des méthodes américaines – que supplantent des riffs swing, alors que le rythme des images s’accélère et que les corps connaissent une agitation effrénée. La musique entraîne les corps. Elle signale par son altérité l’américanisation du village. Mais ce style de jazz censé illustrer les effets négatifs de la modernité en 1949 était en réalité en vogue dans les années 1930. Représentations d’époque des États-Unis ? Le résultat d’une méconnaissance due à la coupure des années de guerre ? Tous les régimes d’américanisation ne vont pas au même rythme. Ceux de l’appropriation non plus.
Américanisation. À chaque fois, un pouvoir différent de pénétration sur des manières de ressentir, de bouger, de parler, de produire, de consommer, d’échanger, de vivre avec les uns et les autres. Depuis un siècle et demi, un phénomène observé, vitupéré, loué. Récurrences, métamorphoses, amplification. Mais cette configuration formée par un habitus corporel, vocal, auditif que télescoperait la puissance américaine, garde-t-elle encore sa pertinence dans un environnement contemporain régi par des circulations mondialisées ? Les textes de cette collection proviennent pour l’essentiel d’interventions à des colloques et des séminaires mis en place par le programme de recherche porté par la Maison des Sciences de l’Homme de l’Université Paris-Saclay, l’Université Paris Saclay (Université d’Évry et Université de Versailles Saint Quentin-en-Yvelines), l’Université de Princeton (USA) et le Royal Northern College of Music de Manchester (GB)